Наталия Пушнина. Пейзаж
альбом живописи
Издательство «Транзит-Икс»
Владимир, 2008 г.
ISBN 978-5-8311-0332-8
Тираж 1 000 экз.
Мягкий переплет, полноцветная печать
мелованная бумага
96 стр., свыше 40 иллюстраций
формат: 70х100/12
Творческая биография, список иллюстраций, статьи.
На английском и русском языках.
современная живопись, пейзаж живопись, живопись книги
Цена - 520 руб.
Полноцветный художественный альбом знакомит с творчеством замечательного петербургского живописца.
Тексты на русском и английском языках. Книга рассчитана на искусствоведов, работников художественных музеев и галерей, коллекционеров и любителей живописи.
Что нам эти города, фасады домов, улочки, часто безлюдные, лишь с иногда появляющимися фигурками горожан, скорее стаффажными? Что нам эти накренившиеся столбы, цветочные клумбы, вывески на стенах, светильники в окнах? Между тем, именно эти детали заставляют картину говорить... говорить языком живописи. И мы понимаем: увидеть - это только начало, завораживающее и не отпускающее; на плоскости холста ритм и колорит способны преломить трагическую (в высоком смысле трагическую) логику мира. И тема города становится лишь поводом для бесконечного разговора о сути Бытия, а внутреннее напряжение, скрытое за кажущейся простотой, таит иронию и трагизм, хаос и гармонию.
Она родилась и выросла в Петербурге. Ее первыми учителями были родители: отец, Александр Пушнин - художник, профессор Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, мать - художница Татьяна Копнина. Оба - самобытные мастера, передавшие ей любовь к русской и европейской живописной культуре.
В 1989 году Наталия Пушнина окончила институт им. И.Е. Репина и сегодня преподает в средней художественной школе им. Б.В. Иогансона при Академии художеств, где училась сама. В ее багаже - участие более чем в 100 российских и международных выставках, творческие поездки в Европу, семинары и круглые столы в России, Германии, Франции, Италии и Хорватии, посвященные проблемам изобразительного искусства, пейзажной и пленэрной живописи... >> читать полностью...
городской пейзаж Наталии Пушниной
Из рецензий:
Наталия Пушнина обладает редким талантом наполнять городской мотив глубоким чувством и содержанием, почти рассказом. Ее творчество отличает тонкое колористическое мастерство, свободное владение разными жанрами и техниками изобразительного искусства. Верно найденные цветовые отношения, то тонко сочетающиеся, то данные в контрастных сопоставлениях, создают достоверный и вместе с тем обобщенный образ города. Одни находят композиционные приемы Пушниной исключительно построенными по театральным приемам с разбегающимися в разные стороны, но подчиненными необходимой динамике горизонталям. Другие высматривают непосредственную преемственность композиционных приемов, вышедших из русской живописи XIX века, с обязательным входом в плоскость холста. На самом деле как колористическое (а оно является основным), так и композиционное решение диктуется каждый раз автору объектом изображения, той натурой, к которой автор становится о той или иной причине неравнодушен, и которую, преломляя через ! видение, хочет показать нам наиболее ярко. Перед автором раскрывают себя разные города, дома и улицы, они раскрывают свой характер и перед нами, зрителями, благодаря мастерству художницы. Именно для передачи характера каждый раз используется особый колористический подход и вызывает абсолютно другие эмоции, чем тяжеловесно-казенно-гранитный "Зеленый дом на Мойке" (1999г.) или рекламно купеческий провинциальный модерн в пейзаже "Тверь. Дом на улице Степана Разина" (2001г.) или уныло слякотный "Питерский двор" (2002г.). Наталия Пушнина находит свою нестандартную точку зрения.
По мнению многих зарубежных и российских специалистов - Наталия Пушнина одна из наиболее интересных современных петербургских живописцев. >> читать полностью...
*** Рекомендуем обратить внимание на самую главную книгу для работников музеев, реставраторов и хранителей: Гарри Томсон "Музейный климат"
Подробное справочное пособие по сохранению любых предметов старины. На русском впервые.
Информация о разрушающем воздействии света, температуры, влажности и других агрессивных факторов среды, о способах их контроля и оптимизации. Рассмотрены факторы, влияющие на старение материалов музейного хранения, и способы их устранения.
Автор Гарри Томсон - научный советник Лондонской Национальной галереи. Вот уже на протяжении четверти века его книга является главным учебником для всех музейных хранителей и консерваторов, в чьи обязанности входит забота о ценных произведениях мирового искусства. подробнее >>
Наталия Пушнина. Пейзаж
альбом живописи
Издательство «Транзит-Икс»
Владимир, 2008 г.
ISBN 978-5-8311-0332-8
Тираж 1 000 экз.
Мягкий переплет, полноцветная печать
мелованная бумага
96 стр., свыше 40 иллюстраций
формат: 70х100/12
Творческая биография, список иллюстраций, статьи.
На английском и русском языках.
современная живопись, пейзаж живопись, живопись книги
Цена - 520 руб.
Искусство эпохи Возрождения в Италии. Кватроченто
С конца XIV в. власть во Флоренции переходит к дому банкиров Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекаются писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. Начинается век медицейской культуры. Первые признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период кватроченто. Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью.
Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие действительности проверяется опытом, экспериментом, контролируется разумом. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве треченто.
В формировании светской культуры кватроченто огромную роль сыграла античность. XV столетие демонстрирует прямые связи с ней культуры Возрождения. С 1439 года, со времени состоявшегося во Флоренции вселенского церковного собора, на который прибыли в сопровождении пышной свиты византийский император Иоанн Палеолог и константинопольский патриарх, и особенно после падения Византии в 1453 году, когда многие бежавшие с Востока ученые нашли прибежище во Флоренции, город этот становится одним из главных в Италии центров изучения греческого языка, а также литературы и философии Древней Греции. Во Флоренции основывается Платоновская академия, библиотека Лауренциана содержит богатейшее собрание античных рукописей. И все же ведущая роль в культурной жизни Флоренции первой половины и середины XV века, бесспорно, принадлежала искусству.
Появляются первые художественные музеи, наполненные статуями, обломками античной архитектуры, мраморами, монетами, керамикой. Восстанавливается античный Рим. Перед изумленной Европой предстает красота страдающего Лаокоона, прекрасных Аполлона (Бельведерского) и Венеры (Медицейской).
Скульптура
В XV в. итальянская скульптура переживала расцвет. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий; художественные конкурсы приобретали характер широких общественных мероприятий. Событием, которое открывает новый период в развитии итальянской ренессансной скульптуры, считается состоявшийся в 1401 г. конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Среди участников конкурса были молодые мастера — Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455).
Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Гиберти. Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Его искания достигли вершины в изготовлении восточных дверей флорентийского баптистерия (1425—1452 гг.), которые Микеланджело назвал «Вратами рая». Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа, архитектура. Они напоминают выразительностью живописные картины. Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников. В его мастерской в качестве помощника работал молодой Донателло, в будущем великий реформатор итальянской скульптуры.
Донато ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (около 1386—1466), родился во Флоренции в семье чесальщика шерсти. Он работал во Флоренции, Сиене, Риме, Падуе. Однако огромная слава не изменила его простого образа жизни. Рассказывали, что бескорыстный Донателло вешал кошелёк с деньгами у двери своей мастерской, и его друзья и ученики брали из кошелька столько, сколько им было нужно.
С одной стороны, Донателло жаждал в искусстве жизненной правды. С другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились уже в ранних работах мастера — статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Статуи находились в нишах, но они сразу привлекали внимание суровой выразительностью и внутренней силой образов. Особенно известен «Святой Георгий» (1416 г.) — юноша-воин со щитом в руке. У него сосредоточенный, глубокий взгляд; он прочно стоит на земле, широко расставив ноги. В статуях пророков Донателло особенно подчёркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, даже уродливые, но живые и естественные. У Донателло пророки Иеремия и Аввакум — цельные и духовно богатые натуры. Их крепкие фигуры скрыты тяжёлыми складками плащей. Жизнь избороздила глубокими морщинами поблёкшее лицо Аввакума, он совсем облысел, за что его во Флоренции и прозвали Цукконе (Тыква).
В 1430 г. Донателло создал «Давида» — первую обнажённую статую в итальянской скульптуре Возрождения. Статуя предназначалась для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, — один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознаёт ещё совершённого им подвига.
Поездка в Рим вместе с Брунеллески чрезвычайно расширила художественные возможности Донателло, его творчество обогатилось новыми образами и приёмами, в которых сказалось влияние античности. В творчестве мастера наступил новый период. В 1433 г. он завершил мраморную кафедру флорентийского собора. Всё поле кафедры занимает ликующий хоровод пляшущих путти — нечто вроде античных амуров и одновременно средневековых ангелов в виде обнажённых мальчиков, иногда крылатых, изображённых в движении. Это излюбленный мотив в скульптуре итальянского Возрождения, распространившийся затем в искусстве XVII—XVIII вв.
Почти десять лет Донателло работал в Падуе, старом университетском городе, одном из центров гуманистической культуры, родине глубоко почитаемого в Католической Церкви Святого Антония Падуанского. Для городского собора, посвящённого Святому Антонию, Донателло выполнил в 1446—1450 гг. огромный скульптурный алтарь со множеством статуй и рельефов. Центральное место под балдахином занимала статуя Мадонны с Младенцем, но обеим сторонам которой располагалось шесть статуй святых. В конце XVI в. алтарь был разобран. До наших дней сохранилась только его часть, и сейчас трудно себе представить, как он выглядел первоначально.
Четыре дошедших до нас алтарных рельефа, изображающие чудесные деяния Святого Антония, позволяют оценить необычные приёмы, использованные мастером. Это тип плоского, как бы сплющенного рельефа. Многолюдные сцены представлены в едином движении в реальной жизненной обстановке. Фоном им служат огромные городские постройки и аркады. Благодаря передаче перспективы возникает впечатление глубины пространства, как в живописных произведениях.
Одновременно Донателло выполнил в Падуе конную статую кондотьера Эразмо де Нарни, уроженца Падуи, находившегося на службе у Венецианской республики. Итальянцы прозвали его Гаттамелатой (Хитрой Кошкой). Это один из первых ренессансных конных монументов. Спокойное достоинство разлито во всём облике Гаттамелаты, одетого в римские доспехи, с обнажённой на римский манер головой, которая является великолепным образцом портретного искусства. Почти восьмиметровая статуя на высоком пьедестале одинаково выразительна со всех сторон. Монумент поставлен параллельно фасаду собора Сант-Антонио, что позволяет видеть его либо на фоне голубого неба, либо в эффектном сопоставлении с мощными формами куполов.
В последние проведённые во Флоренции годы Донателло переживал душевный кризис, его образы становились всё более драматичными. Он создал сложную и выразительную группу «Юдифь и Олоферн» (1456-1457гг.); статую «Мария Магдалина» (1454-1455 гг.) в виде дряхлой старухи, измождённой отшельницы в звериной шкуре - трагические по настроению рельефы для церкви Сан-Лоренцо, завершенные уже его учениками.
Среди крупнейших скульпторов первой половины XV в. нельзя обойти вниманием Якопо делла Кверча (1374—1438) — старшего современника Гиберти и Донателло. Его творчество, богатое многими открытиями, стояло как бы в стороне от общего пути, по которому развивалось искусство Ренессанса. Уроженец города Сиены, Кверча работал в Лукке. Там в городском соборе находится выполненное этим мастером редкое по красоте надгробие юной Иларии дель Карето. В 1408 — 1419 гг. Кверча создал скульптуры для монументального фонтана Фонте Гайя на площади Кампо в Сиене. Затем мастер жил в Болонье, где его главным произведением стали рельефы для портала церкви Сан-Петро-нио (1425—1438 гг.). Выполненные из тёмно-серого твёрдого местного камня, они отличаются мощной монументальностью, предвосхищая образы Микеланджело.
Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворённому, светскому искусству. Ведущая роль в нём принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400— 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, была в Средние века завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку, почему и получила своё название, а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435—1525).
Живопись и фрески
Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо. По словам Вазари, «Мазаччо стремился изображать фигуры с большой живостью и величайшей непосредственностью наподобие действительности».
Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и всё же успел сделать в живописи столько нового, сколько иному мастеру не удавалось за всю жизнь.
Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо (1401 — 1428), родился в местечке Сан-Вальдарно близ Флоренции, куда он юношей уехал учиться живописи.Существовало предположение, что его учителем был Мазолино де Паникале, с которым он затем сотрудничал; сейчас оно отвергнуто исследователями. Мазаччо работал во Флоренции, Пизе и Риме.
Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427—1428), созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессансной арочной ниши. На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя. Их осеняет образ Бога-Отца. На переднем плане фрески запечатлены коленопреклонённые заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Расположенное в нижней части фрески изображение саркофага, на котором лежит скелет Адама. Надпись над саркофагом содержит традиционное средневековое изречение: «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я».
До 50-х гг. XX в. это произведение Мазаччо в глазах любителей искусства и учёных отступало на второй план перед его знаменитым циклом росписей капеллы Бранкаччи. После того как в 1952 г. фреска была перенесена на прежнее место в храме, промыта, отреставрирована, когда была обнаружена её нижняя часть с саркофагом, «Троица» привлекла к себе пристальное внимание исследователей и любителей искусства. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях. Величавая отрешённость образов сочетается здесь с не виданной до тех пор реальностью пространства и архитектуры, с объёмностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе сдержанного чувства образом Богоматери.
В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта-Мария дель Кармине Художественные росписи стен капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика.
Перед живописцем стояла задача средствами линейной и воздушной перспективы построить пространство, разместить в нём мощные фигуры персонажей, правдиво изобразить их движения, позы, жесты, а затем масштабы и цвет фигур связать с природным или архитектурным фоном. Мазаччо не только успешно справился с этой задачей, но и сумел передать внутреннее напряжение и психологическую глубину образов.
Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра. Самая известная композиция «Чудо со статиром» рассказывает, как у ворот города Капернаума Христа с учениками остановил сборщик налогов, требуя у них денег на поддержание храма. Христос повелел апостолу Петру выловить в Генисаретском озере рыбу и извлечь из неё статир. Слева на втором плане зритель видит эту сцену. Справа Пётр вручает деньги сборщику. Таким образом, композиция соединяет три разновременных эпизода, в которых трижды предстаёт апостол. В новаторской по существу живописи Мазаччо этот приём — запоздалая дань средневековой традиции изобразительного рассказа, от него в то время уже отказались многие мастера и более столетия назад сам Джотто. Но это не нарушает впечатления смелой новизны, которой отличаются весь образный строй росписи, её драматургия, жизненно убедительные, чуть грубоватые герои.
Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает своё время. Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи. Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел с мечом в руках действительно изгоняет из рая. Главное здесь — не библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта.
В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом; наследии Мазаччо сумели оценить лишь следующие поколения.
В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397—1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно, улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты, чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошёл как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной перспективы.
В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние. Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло — написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда, известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная (одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на которую зритель смотрит снизу вверх.
Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники и воины перемешались копья, щиты, древки знамён. И, тем не менее, сражение выглядит условной, застывшей на редкость красивой, поблёскивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.
Рекомендуем обратить внимание на самую главную книгу для работников музеев, реставраторов и хранителей: Гарри Томсон "Музейный климат"
Подробное справочное пособие по сохранению любых предметов старины. На русском впервые.
Информация о разрушающем воздействии света, температуры, влажности и других агрессивных факторов среды, о способах их контроля и оптимизации. Рассмотрены факторы, влияющие на старение материалов музейного хранения, и способы их устранения.
Автор Гарри Томсон - научный советник Лондонской Национальной галереи. Вот уже на протяжении четверти века его книга является главным учебником для всех музейных хранителей и консерваторов, в чьи обязанности входит забота о ценных произведениях мирового искусства. подробнее >>
Наталия Пушнина. Пейзаж
альбом живописи
Издательство «Транзит-Икс»
Владимир, 2008 г.
ISBN 978-5-8311-0332-8
Тираж 1 000 экз.
Мягкий переплет, полноцветная печать
мелованная бумага
96 стр., свыше 40 иллюстраций
формат: 70х100/12
Творческая биография, список иллюстраций, статьи.
На английском и русском языках.
современная живопись, пейзаж живопись, живопись книги, реализм
Цена - 520 руб.
Об авторе:
Пушнина Наталия Алексеевна
Родилась в 1961 году в Ленинграде.
В 1979 году закончила среднюю художественную школу им. Б.В. Иогансона при Академии художеств. В 1989 году окончила институт им. И.Е. Репина. Участник более 80 выставок. С 1992 года – член Союза художников России.
С 2000 года участвует в различных международных семинарах, прошедших в России, Франции и Германии.
Работы художника находятся в музеях, галереях и частных собраниях России и за рубежом, среди них: Музей Академии художеств, Муромский историко-художественный музей, Санкт – Петербургский фонд развития искусства, Музей семьи Бенуа (ГМЗ "Петергоф"), Центральный музей железнодорожного транспорта, Муниципальный музей г. Пенкун (Германия), в собрании семьи Н. Фешина (США), частной коллекции Гидона Кремера (Франция) и многих других.
Пролистать книгу:
***
Рекомендуем обратить внимание на самую главную книгу для работников музеев, реставраторов и хранителей: Гарри Томсон "Музейный климат"
Подробное справочное пособие по сохранению любых предметов старины. На русском впервые.
Информация о разрушающем воздействии света, температуры, влажности и других агрессивных факторов среды, о способах их контроля и оптимизации. Рассмотрены факторы, влияющие на старение материалов музейного хранения, и способы их устранения.
Автор Гарри Томсон - научный советник Лондонской Национальной галереи. Вот уже на протяжении четверти века его книга является главным учебником для всех музейных хранителей и консерваторов, в чьи обязанности входит забота о ценных произведениях мирового искусства. подробнее >>
Наталия Пушнина. Пейзаж
альбом живописи
Издательство «Транзит-Икс»
Владимир, 2008 г.
ISBN 978-5-8311-0332-8
Тираж 1 000 экз.
Мягкий переплет, полноцветная печать
мелованная бумага
96 стр., свыше 40 иллюстраций
формат: 70х100/12
Творческая биография, список иллюстраций, статьи.
На английском и русском языках.
современная живопись, пейзаж живопись, живопись книги, реализм
Цена - 520 руб.
Из рецензий:
Наталия Пушнина обладает редким талантом наполнять городской мотив глубоким чувством и содержанием, почти рассказом. Ее творчество отличает тонкое колористическое мастерство, свободное владение разными жанрами и техниками изобразительного искусства. Верно найденные цветовые отношения, то тонко сочетающиеся, то данные в контрастных сопоставлениях, создают достоверный и вместе с тем обобщенный образ города. Одни находят композиционные приемы Пушниной исключительно построенными по театральным приемам с разбегающимися в разные стороны, но подчиненными необходимой динамике горизонталям. Другие высматривают непосредственную преемственность композиционных приемов, вышедших из русской живописи XIX века, с обязательным входом в плоскость холста. На самом деле как колористическое (а оно является основным), так и композиционное решение диктуется каждый раз автору объектом изображения, той натурой, к которой автор становится о той или иной причине неравнодушен, и которую, преломляя через ! видение, хочет показать нам наиболее ярко. Перед автором раскрывают себя разные города, дома и улицы, они раскрывают свой характер и перед нами, зрителями, благодаря мастерству художницы. Именно для передачи характера каждый раз используется особый колористический подход и вызывает абсолютно другие эмоции, чем тяжеловесно-казенно-гранитный "Зеленый дом на Мойке" (1999г.) или рекламно купеческий провинциальный модерн в пейзаже "Тверь. Дом на улице Степана Разина" (2001г.) или уныло слякотный "Питерский двор" (2002г.). Наталия Пушнина находит свою нестандартную точку зрения.
По мнению многих зарубежных и российских специалистов - Наталия Пушнина одна из наиболее интересных современных петербургских живописцев.
Пушнина Н. "Флоренция от дворца Питти"
У Наталии Пушниной три увлечения: живопись, городской пейзаж и путешествия. Эти увлечения так близко переплетаются, что составляют саму суть ее жизни. Неутомимая страсть к «коллекционированию» городов, маленьких и больших, заставляет ее переезжать с места на место, и каждое новое открытое сокровище побуждает ее к творчеству.
За свою жизнь Н. Пушнина побывала в Хорватии, Англии, Франции, Германии, а также много путешествовала по родной России, и каждый раз она подчиняла эти места власти своего собственного художественного видения. Ее творчество далеко от банальной утилитарности и предвзятых представлений туристов; это жемчужины цвета, где игра контуров противопоставлена отточенным подробностям, и далекое, угрюмое небо борется с намеренно однотонными полосами цвета.
Несмотря на то, что Пушнина – художник метафорический, все, что она изображает, вещественно…
Natasha Pushnina has three great passions; painting, the urban landscape, and travelling. These passions feed so richly into each other that they make up the very substance of her life; her insatiable passion for “collecting” cities and towns keeps her moving, and each newly discovered treasure drives her to paint.
On her travels, Pushnina has subjected the urban landscapes of Croatia, England, France, Germany, Italy, and her native Russia to her own personal vision, a vision which transforms banal utility or tourist clichés into jewels of colour, where playful contours are juxtaposed with rhythmic details, and deep, moody skies fight against consciously flattened planes of colour.
Though a figurative artist, Pushnina nonetheless objectifies her subject; flattening colour, disregarding shadow, employing stylised drawing to decorative effect, so that her canvasses occasionally suggest tapestry (19, 20) or the geometric abstraction of a Mondrian (3, 7, 8, 9, 22, 26, 30). Her palette is a rich and sometimes surprising fusion of Russian and French traditions. In the muted, subtle palette she favours when painting provincial Russia, there is everything of the Russian Academy which nourished her and her parents (10, 14, 15, 17, 19, 20…), while her Petersburg and European inspired works hold echoes of Matisse and the fauvists, especially Derain. The Gallic influence is not surprising in itself – the historic Franco-Russian relationship ensures that Russian artists consider the French tradition as their birth-right – the surprise is rather in the extraordinary synthesis of subject and colour sometimes afforded by Pushnina’s refusal to abandon her deeply personal choice of hue. The result is a delightful frisson where we are astonished by an almost fauvist St Petersburg (6, 7) whilst Paris and Burgundy are invaded by the blue-green verdure of the artist’s Baltic origins (21, 29, 36).
Pushnina’s compositions are beguiling too. She strives to find unusual view points which, while satisfying her own aesthetic sense, invite us to look again. Even the most photographed places become unfamiliar; in London she presents us with the underside of Blackfriars Bridge (30), while in Rome, she blocks our view with the stone gateway of the Forum Romano, its pillars revealing only staccato impressions of the buildings behind (33).
Sometimes her buildings audaciously crowd the canvas as if forcing us to contemplate the claustrophobia of city life (1, 3, 8, 22). However, Pushnina’s true desire in these “closed” paintings is to celebrate the quirkiness of a particular building, to present us with its actual “portrait”. The “building as personality” dominates her Russian Province series where wooden buildings are truly handmade and recount the ravages of time as eloquently as any human face (14, 17, 18). It is interesting to note that here Pushnina varies her manner of painting, fracturing her characteristic strong blocks of colour, her touch becoming less fluid, as if she were allowing the entropy of provincial Russia to suffuse her very canvasses.
Most compositions however include an opening; a chink of sky squeezed between blocks, a side street inviting us onwards, or exits stage right or left either side of a corner.
But if city streets are stage-sets for their inhabitants’ daily dramas, then where are Pushnina’s people? Occasionally one may glimpse a couple or a stiff backed grandmother and, more often, somebody briskly walking a dog across the canvas. But one feels that these have no intrinsic significance and, merely serving the composition in terms of colour or movement, are reminiscent of figures inserted into architects’ projects to give a notion of reality. Pushnina’s empty streets contain none of the de Chirico surrealist menace however. Rather, Pushnina is absorbed by human diversity and eccentricity and for her, cities represent humanity’s greatest collective expression. Instead of urban angst she provides us with a vision of the city contained, objectified, captured in time now and forever; the multifaceted, fractured reality which characterises both the existential and physical nature of urban life is here crystallised by one subjective, human perception ready to be re-digested by a multitude. Pushnina does not paint people; she presents humanity with an aspect of itself.
Elizabeth Simoneau, International Association of Art Critics (AIS-AICA)
Burgundy, France
October 2007
Пушнина Н. "Лондон Белый дом на Чарлтон роуд"
***
Рекомендуем обратить внимание на самую главную книгу для работников музеев, реставраторов и хранителей: Гарри Томсон "Музейный климат"
Подробное справочное пособие по сохранению любых предметов старины. На русском впервые.
Информация о разрушающем воздействии света, температуры, влажности и других агрессивных факторов среды, о способах их контроля и оптимизации. Рассмотрены факторы, влияющие на старение материалов музейного хранения, и способы их устранения.
Автор Гарри Томсон - научный советник Лондонской Национальной галереи. Вот уже на протяжении четверти века его книга является главным учебником для всех музейных хранителей и консерваторов, в чьи обязанности входит забота о ценных произведениях мирового искусства. подробнее >>
Наталия Пушнина. Пейзаж
альбом живописи
Издательство «Транзит-Икс»
Владимир, 2008 г.
ISBN 978-5-8311-0332-8
Тираж 1 000 экз.
Мягкий переплет, полноцветная печать
мелованная бумага
96 стр., свыше 40 иллюстраций
формат: 70х100/12
Творческая биография, список иллюстраций, статьи.
На английском и русском языках.
современная живопись, пейзаж живопись, живопись книги, реализм
Цена - 520 руб.
Статья из книги "Наталия Пушнина. Пейзаж":
Что нам эти города, фасады домов, улочки, часто безлюдные, лишь с иногда появляющимися фигурками горожан, скорее стаффажными? Что нам эти накренившиеся столбы, цветочные клумбы, вывески на стенах, светильники в окнах? Между тем, именно эти детали заставляют картину говорить... говорить языком живописи. И мы понимаем: увидеть - это только начало, завораживающее и не отпускающее; на плоскости холста ритм и колорит способны преломить трагическую (в высоком смысле трагическую) логику мира. И тема города становится лишь поводом для бесконечного разговора о сути Бытия, а внутреннее напряжение, скрытое за кажущейся простотой, таит иронию и трагизм, хаос и гармонию.
Она родилась и выросла в Петербурге. Ее первыми учителями были родители: отец, Александр Пушнин - художник, профессор Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, мать - художница Татьяна Копнина. Оба - самобытные мастера, передавшие ей любовь к русской и европейской живописной культуре.
В 1989 году Наталия Пушнина окончила институт им. И.Е. Репина и сегодня преподает в средней художественной школе им. Б.В. Иогансона при Академии художеств, где училась сама. В ее багаже - участие более чем в 100 российских и международных выставках, творческие поездки в Европу, семинары и круглые столы в России, Германии, Франции, Италии и Хорватии, посвященные проблемам изобразительного искусства, пейзажной и пленэрной живописи...
"Городской пейзаж, занимающий в моих работах последних лет столь важное место, стал следствием любви к "перемене мест", к смене впечатлений, - говорит Наталия Пушнина - Сами темы, настроения, колористические предпочтения - все это достаточно условно. Это лишь повод. Гораздо важнее задача, которую я ставлю в том или ином случае. И то, как я ее решаю...".
Работы Н. Пушниной в этом жанре можно назвать пейзажным портретом, настолько сильно в каждом произведении проступает драматургическое начало, читаются характер, история, судьба. Она обладает редким талантом наполнять городской мотив глубоким чувством и содержанием, почти рассказом. Это рассказы не о парадной стороне городов, а об уютных, необычных и ныне позабытых домах и улицах. Дома владимирские и муромские: одни из них, как старики, оставленные родственниками - трогательно-гордые, другие - беспечные, как дети... Строгие и стройные питерские, основательные немецкие, элегантные французские...
На мой взгляд, Наталия Пушнина - один из наиболее интересных современных петербургских живописцев. Она всегда находит свою, нестандартную точку зрения.
Как колористическое (а оно является основным), так и композиционное решение всегда диктуется автору объектом изображения, натурой, к которой художник неравнодушен и которую, преломляя через свое собственное видение, хочет показать наиболее ясно. Так, единое пространство, объединяющее памятники архитектуры и повседневную жизнь, в картине "Вид на Муромские монастыри" создано благодаря тоновому сближению цветовой гаммы, придающему "гобеленовость" всей работе, а картина "Париж. Балкон" построена на противопоставлении решенного в теплой цветовой гамме переднего плана, вводящего нас в картину, и холодной отстраненности города на заднем плане.
Темпера и акварель - материалы, которыми написаны многие произведения художника. Зыбкость и "водность" витают в воздухе Петербурга, пропитывая атмосферу города. Может быть, поэтому на берегах Невы всегда была сильна графическая школа, может быть, поэтому Н. Пушнина принимает участие в выставках Общества акварелистов, а на традиционных крупных выставках, проходящих в городе, ее работы можно увидеть не только в залах, где экспонируется живопись, но и в залах графики.
В темпере художника привлекает ясность цвета, благородство фактуры, возможность придать произведению ощущение некоторой условности, продуманного примитивизма.
Кажущаяся легкость и простота исполнения обманчивы и совершенно не объясняют, как создается присущий только Наталии Пушниной мир образов, в котором "Белый дом на Чарлтон-Роуд" и "Улица Марата" сосуществуют рядом друг с другом и со зрителем, а мысли и чувства передаются пластикой, цветом, ритмом линий, намеком, едва уловимой реминисценцией, отсылающей нас к собственному образному опыту: человеческому, жизненному, художественному.
А. Сидоров,
член Союза журналистов России
***
Рекомендуем обратить внимание на самую главную книгу для работников музеев, реставраторов и хранителей: Гарри Томсон "Музейный климат"
Подробное справочное пособие по сохранению любых предметов старины. На русском впервые.
Информация о разрушающем воздействии света, температуры, влажности и других агрессивных факторов среды, о способах их контроля и оптимизации. Рассмотрены факторы, влияющие на старение материалов музейного хранения, и способы их устранения.
Автор Гарри Томсон - научный советник Лондонской Национальной галереи. Вот уже на протяжении четверти века его книга является главным учебником для всех музейных хранителей и консерваторов, в чьи обязанности входит забота о ценных произведениях мирового искусства. подробнее >>